권여현 작가의 전시를 보러 갔습니다.
낯선 곳의 일탈자들 Deviators in Uncanny place
1
일이 일어나는 것처럼 보이는 곳이 있습니다. 사고가 나기 쉬운 곳, 낯설지도, 편하지도 않은 낯선 곳.
이상한 숲은 유토피아가 현실 세계에서 실현되는 곳입니다.
우리가 결코 만날 수 없는 숲, 둘 또는 셋의 서로 다른 공간이 결합된 가상의 장소이다.
공익의 가치와 대다수 국민의 최대 행복을 위해 물건을 모아 소멸시키기보다는 희생하고 생략해야 하는 곳이다.
이성이 지배하는 장소감과 비자발적이고 하위문화가 대립하는 곳이다.
비정상적인 행동은 이상하고, 변덕스럽고, 정체되고, 무의미하고, 반항적입니다.
인간의 욕망이 섹슈얼리티에 기반하고, 보호자의 감시의 눈을 피하기 위해 가면을 쓰고, 꿈에서 소원을 이루는 것처럼, 일탈자들은 밈의 전승 체계에 기반하여 어처구니 없는 행동을 은폐함으로써 현실의 규범을 속이려 한다.
그들의 행동은 억압된 욕망과 관능의 표현인 우리 시대의 히피를 상징한다.
사회가 발전함에 따라 많은 문제가 노출되고 있습니다. 그것들은 선택적으로 폐기되거나 무의식의 깊은 곳에 갇혀 감시당합니다.
고정된 욕망, 또는 욕망의 잔재는 밈과 밈과 같은 변덕스러운 행위를 통해 표출될 수밖에 없다.
욕망의 돌파구는 언제나 은밀하고, 익숙하고, 낯설고, 위장된 곳이다.
억압된 것은 성적이거나 부도덕하거나 반종교적이거나 반사회적일 수 있습니다.
그러나 종종 그들은 너무 인간적입니다.
억압을 구실로... 국가, 사회, 그리고 우리의 활동 영역 내에서 수많은 감각이 편집되어야 했습니다. 지금 개인의 몸, 의식, 감각에 침투한 그림자 감시자들을 속이는 유일한 방법입니다. 그렇게 하는 것은 일탈이 되는 것입니다.
내 그림에서 일탈자들은 해변에서 무리한 짓을 한다.
세상에 대한 금기의 반항적 표현으로 엉덩이 욕설이나 벌거벗은 몸을 드러내는 언어로 욕을 한다.
히피, 베트남 전쟁 반대 운동, 프랑스의 6.8 학생 운동은 모두 좌절되고 교활한 욕망을 집단적으로 다루는 좋은 예입니다.
내 그림 속 인물들은 이런 배경
알몸으로 잠수하기, 어른이 된 유치함, 껌 뱉기, 팬티 반쯤 벗기, 멍하니 혹은 화난 표정으로 뒤를 돌아보기, 못마땅함을 표현하기 위해 풍선껌을 불기, 자칭 속물이 되는 것을 개의치 않음, 얄밉게 웃기, 시선을 받아들이기 거리에서 고의적으로 난처함을 주고 속물을 공격하는 술 한 잔, 사무실에서 양복과 슬리퍼를 착용하고 사회적 성 관념의 가장 핵심적인 금기를 고의적으로 위반하는 행위, 성교육의 금기를 어기는 행위, 기괴한 섹스를 하는 행위 Seduce , 우스꽝스럽게 만화를 쫓거나, 충족되지 않은 어린 시절의 욕망이라는 히피 편향으로 기성 사회를 조롱하고 반항하는 등 복고적인 방식으로.
그림 속 일탈자는 밈적, 밈적, 신화적 행위를 통해 부조리한 사회를 비판한다.
2
내가 가장 중요하게 생각하는 그림 주제는 붓놀림의 속도, 필름을 형성하는 붓놀림, 색상의 선명도입니다.
가장 중요한 표현방식은 원터치 또는 투터치 다중묘사로 만들어지는 형태를 구현하는 것이다.
인체를 묘사할 때 펜의 해부학적 구조와 특징, 펜의 뒷면, 펜촉 등을 알아야 합니다. 붓의 움직임에 따라 뼈가 되기도 하고 피부가 되기도 합니다.
형상의 기술에 있어서 대상 형상의 가장 특징적인 발현을 가볍게 나타내기 위하여 게슈탈트 이론을 사용하였다.
나에게 형태는 붓놀림의 표현 영역입니다. 원하는 색상을 만들기 위해 여러 번 칠할 필요 없이 한 번의 브러시 스트로크와 손목을 제어하는 힘만 있으면 다양한 색상 변형 작업이 가능해야 합니다.
잘 그리는 것은 기술적인 문제도 아니고 재현의 문제도 아닌 스타일리스트의 방식으로 재료와 붓을 어떻게 사용하느냐의 문제다.
나의 붓놀림은 영혼을 담아 쓰는 것이 아니라 단순하고 희미한 붓놀림이다.
붓놀림의 간결함과 속도, 사물의 생명력, 이것들은 머릿속에서 구축된 것으로 작가가 표현한 것도 아니고 보는 사람이 찾고자 하는 것도 아닌 것 같다.
작가의 기술이 집약되었을 때, 혹은 사회의 미학적 요구에 부응하고 현대적 조형을 갖게 되었을 때 보는 사람은 감동을 받게 될 것이다.
생명력의 비법입니다.
한 번의 획으로 알록달록한 색이 그려지고, 도형의 경계는 흐리거나 또렷하게 드러난다.
나는 그것을 감각적인 그림, 그림이라고 부르고 싶다.
지각 형태는 고정된 것이 아니라 유동적이고 변화 가능하며 유동적입니다.
그러나 그것은 물리적인 단계가 되기를 거부하고 형식적 구성의 최하점에 이르지 못한 채 해체되어 그 속성을 상실하였다.
페인트는 기름이나 물을 매체로 하여 바르거나 부착하는 것입니다.
획의 일치로 인해 이 그림이 어떻게 변할지 모를 가능성이 있을 수밖에 없다. 색상은 현명하게 적용해야 합니다.
농도, 명도, 채도의 차이는 지극히 미묘한 변화로 구성되어 있어 보는 사람의 눈도 예민해야 작품에 녹아들 수 있다.
지금 우리가 보는 대부분의 색상은 뒤에서 오는 빛과 관련이 있습니다.
뒤에서 촬영한 색상이 맑고 얇으며 투명합니다.
모던한 컬러는 물감을 섞는 그레이톤보다는 빛을 섞어서 만들어내는 투명한 화이트톤에 가깝다.
비정통성을 표현하기 위해 사용되는 색은 가볍고 맑고 투명하며 빠르다.
색상 선택은 모양과 관련이 없습니다.
색칠할 부위에 따라 조화롭게 사용했을 뿐입니다.
노란 머리를 가진 사람들은 더 이상 서양인이 아니며 구릿빛 피부는 전혀 인종적 피부색이 아닙니다.
그것은 단순히 사물의 위계를 표현하는 조각적 장치일 뿐이다.
특정 인물이나 특정 상황을 추측하는 것도 나의 맥거핀 세계가 될 수 있다.
관념과 형태와 색이 뗄 수 없는 끝없는 땅처럼, 꿈의 끝에 있는 꿈과 아직 완전히 깨어나지 않은 현실처럼 내 그림 속 인물들은 안도와 자유를 찾아 신호를 보내고 있다. 낯선 숲에 온 느낌. .
누군가 내게 다가와 킬킬 웃으며 절망의 신호를 보내는 대신 일어나라고 신호를 보냈다.
웃지 말고 Scissors의 신호를 지나쳐 그를 깨우라는 신호를 보냅니다.
권여현 (權 汝 鉉)
아래는 권여현 작가님 같은 추상주의에 대한 설명입니다.
<추상주의>
미술이나 회화나 그 기법에서 보이는 것을 최대한 자연스럽고 충실하게 재현하는 것이 아니라 점, 선, 면, 색 등을 표현하는 데 그 목적이 있습니다.
전자는 칸딘스키이고 후자는 몬드리안이다.
본래의 목적은 현실의 정치적, 이념적, 경제적 논리에서 동떨어진 순수한 미학을 표현하고자 하는 욕망에서 시작되었습니다.
따라서 홍보의 수단이 될 수 있는 설명은 제외하였습니다.
또한 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg)와 같은 이론가들은 회화가 아닌 모든 것은 배제되어야 한다고 주장하면서 회화는 회화와 같아야 한다고 믿었다.
즉, 내러티브는 문학에서 나오므로 회화는 이야기를 배제하고 그림자가 없어야 입체감은 조각에서 나오며, 공간감은 건축에서 나오므로 원근감이 없어야 한다.
지금까지 그는 점, 선, 면, 색 등 구성요소의 아름다움만이 보여야 한다고 생각하여 대상의 묘사를 거부하는 지경에 이르렀다.
당시 모더니즘을 따랐던 다른 분야의 예술가, 건축가, 이론가들도 마찬가지였습니다.
Mies van der Rohe와 Le Corbusier(주류 아키텍처는 처음에 추상화를 기반으로 했습니다.
개념 기반 아키텍처는 종종 디자이너 Moholy-Nagy와 같은 순진한 건축가입니다.
그들은 물체가 핵심 구조를 가지고 있으며 그 구조를 구성하는 것이 예술가의 일이라고 믿습니다.
그리고 이 추상화의 결과는 누구나 즐겁고 만족할 수 있는 작품이 될 것이라고 생각합니다.
이것이 모더니즘이 회화, 디자인, 건축에서 매우 단순한 구조를 강조한 이유입니다.
그러나 모든 객체에 대한 이러한 무분별하고 단순화된 접근 방식은 시간이 지날수록 지루해지는 치명적인 부작용이 있습니다.
이러한 접근은 예술적 가능성과 다양성의 억압으로 이어졌고, 결국 후속 예술가들은 이에 반발했습니다.
이것을 포스트모더니즘이라고 합니다.
그러나 추상 탐색 및 개발의 다양한 이론과 기술은 오늘날 디자인에서 유용한 응용 프로그램을 찾습니다.
Mies van der Rohe와 Kandinsky가 지금 공부하고 있는 디자인 학교는 전설적인 학교가 아니라 전설적인 Bauhaus입니다.
단순하고 미니멀한 디자인을 강조하는 애플의 성향도 어느 정도 어려움을 겪었다.
조선시대에는 민화(그림)가 그 역할을 했다.
19, 20세기 한국을 침략한 일본과 프랑스는 민화를 '한국의 추상미'라고 부르며 값싸게 대량 유통했다.
일본에서 류종의(劉宗衣)라는 사람이 그 가치를 보고 많이 사서 이름을 화(和)라고 지었다.
그 이후로 교토의 일본 문학 박물관에 전시되었습니다.
추상미술은 사물의 특정한 형태를 표현하기보다 점, 선, 면, 색상 등의 순수한 조형적 요소를 표현하는 예술의 흐름이다.
각각의 형태나 색상은 고유한 의미와 느낌을 가지고 있기 때문에 작가의 생각과 느낌은 형태와 색상의 조합을 통해서만 표현될 수 있습니다.
모더니즘 이후 아르데코에서 벗어나 조형적인 방식으로 세상을 정의하는 움직임이 있었고 이것이 추상미술의 원동력이 되었습니다.
추상 미술의 역사는 19세기에 시작되었는데, 모리스 드니(Maurice Denis)는 1890년에 "그림은 평면에 배열된 색상으로 가득 차 있으며 전쟁터에서 말이나 누드가 된다"고 말했습니다.
예술 선언문. 20세기의 야수파는 고갱의 장기적인 색채 해방을 고수했다면, 큐비즘은 실물을 해체하고 화면에 재구성했다.
나아가 퓨처리즘은 현재의 급격한 변화의 속도감을 표현하기 위한 시각적 언어를 만들어낸다.
1915년 키에프주의의 영향을 받은 말레비치는 순수한 구성형식을 지향하는 절대주의를 주창하며 질서정연하게 화면에 등장했다.
추상미술은 추상적인 현상의 작품이 아니라고 주장하는 포스트모더니즘의 사상은 미술의 가치에 있어 매우 중요한 변화를 시사하며 그 영향은 막대하다.
이 운동은 모국인 러시아에서 소비에트 정책의 변화와 함께 사라졌지만, 그 이데올로기는 유럽 추상 미술의 저류가 되었습니다.
특히 신조형주의와 바우하우스의 영향을 무시할 수 없다.
한편 절대주의와 함께 타틀린, 로드첸코, 가보르, 페브스너는 혁명 이후 러시아에서 구성주의를 발전시키고 촉진시켰다.
큐비즘이 제시한 추상적인 형태와 미래주의가 가져온 기계론적 사상의 영향을 받아 독자적인 방향으로 발전하였다.
혁신적인 운동이 시작되었습니다.
마지막 정점은 1920년 모스크바에서 열린 Great Constructivist Exhibition의 개막과 함께 찾아왔습니다.
이 운동은 형식주의로 인해 비판을 받아왔다.
수락, 러시아 활동이 종료되었습니다.
그러나 이 사상은 유럽으로 퍼져 독일의 바우하우스에 큰 영향을 미쳤고, 제1차 세계대전에서 돌아온 칸딘스키도 1921년까지 이 운동에 참여했다.
1917년 Theo van Dosburg는 Leiden 근처에서 De Stijl이라는 그룹을 집결했습니다.
기하학적 선과 순수한 색상 사이의 비인격적 관계를 기반으로 하는 운동의 미학은 회화의 Mondrian과 Dosberg, 조각의 Van Tongelo, 건축, 실내 장식 및 가구 분야의 Aude에서 영감을 받았습니다.
그 필드. 대지. 그러나 운동이 추구하는 포괄성은 완전히 실현되기에는 너무 유토피아적이어서 독일의 바우하우스가 크게 계승한 철학이었다.
1919년 건축가 발터 그로피우스(Walter Gropius)의 주도로 독일에 국립 종합 모델링 학교인 바우하우스가 설립되었습니다.
건축에 뿌리를 둔 포괄적인 철학을 기반으로 하는 바우하우스에서는 하나의 워크숍에서 형식적이고 실용적인 기술 연구 및 교육이 동시에 진행되는 독특한 워크숍 기반의 연구 및 교육 조직이 설립되었습니다.
스튜디오에는 벽화, 유리 그림, 판화, 디자인, 금속 및 직물이 있으며 Kandinsky, Klee, Feininger, Marx, Moholy-Nagy 및 Mutzel과 같은 전위 예술가가 모든 분야의 스타일링 방향을 담당합니다.
연구. 예술적 자유에 대한 나치의 정치적 압력으로 인해 바우하우스는 사립학교로 강등되고 베를린으로 이전되었으며 곧 문을 닫았습니다.
그러나이 이데올로기는 현대 미술의 많은 영역에 매우 강력한 영향을 미쳤습니다.
제2차 세계대전 이후 추상표현주의는 미국에서 활발히 발전했다가 다시 유럽으로 돌아와 앵포르멜 운동을 탄생시켰다.
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